Az elmúlt 10 év 11 legdrágább amerikai műalkotása, amelyeket árverésen adtak el

2024 Szerző: Richard Flannagan | [email protected]. Utoljára módosítva: 2023-12-16 00:07

A XXI. Század első évtizede kedvezőnek bizonyult a művészeti ipar számára: a világ legdrágább festményét árverésen adták el mesés összegért, az őslakos népek és kisebbségek művészete iránti egyre növekvő érdeklődésért. mivel a közösségi hálózatok esztétikai perspektívára gyakorolt tartós hatása tette a dolgát, az egyik fő szerepet játszva. Ez alól az amerikai művészet sem volt kivétel, és az Egyesült Államok egyik legértékesebb remekműve kézről kézre haladt, új világrekordokat állítva fel az aukciókon.

A huszadik században a kreativitás és az innováció robbanása történt az amerikai művészetben, ami tükröződik az itt felsorolt tizenegy remekműben. Bár néhányuk a nagyobb aukciósházak kortárs művészeti osztályain kapott helyet, mindegyik hozzájárult az amerikai művészet hírnevéhez és sikeréhez általában.

1. Norman Rockwell

Az eredetileg a Saturday Evening Post borítójaként létrehozott Norman Rockwell öltözője hamarosan kultikus ikon lett. A 20. század közepén Norman termékeny illusztrációi segítették a nemzeti identitás formálását, és az ország egyik legrégebbi és legkedveltebb Major League baseballcsapataként a Boston Red Sox biztos módja volt, hogy megérintse még a legkeményebb amerikaiak szívét is.

Ez a festmény, amely felismerhető baseball játékosokat ábrázol és a baseball legenda, Ted Williams visszavonulása idején jelent meg, ma is aktuális, időtálló festménynek számít. A festmény az újoncot ellentmondásos érzelmeket idézi fel, mivel a Red Sox kellékei diadal és dicsőség érzetét képviselik, míg a kínos jövevény nem tehet mást, mint szorongást, sőt kínos érzést. Az egyszerűnek tűnő kép által generált mély érzelmi reakció kétségtelenül az oka annak, hogy ezt a festményt 2014 -ben elárverezték 22 millió dollárért.

2. Edward Hopper

A huszadik század egyik legfontosabb és legbefolyásosabb művésze, Edward Hopper megkülönböztette magát kortársaitól, amikor érzelmes, de kirívó őszinteséggel örökítette meg a mindennapi amerikai élet jeleneteit. Ezt testesíti meg a Keleti szél Weehawken felett.

A dráma vagy a nyilvánvaló szépség hiánya ellenére a festmény feszültséggel és érzelmekkel töltődik fel, különösen az „Eladó” jel hatására, ami előrehaladást és haladást jelenthet, de ugyanúgy nehézségekkel és küzdelmekkel jár, kétértelmű érzéseket okozva. 2013-ban ezt a művet negyvenegy millió dollárért adták el a Christie's-nél.

3. Georgia O'Keeffe

A Georgia O'Keeffe folyamatosan inspirációt merített a növényvilágból, és új léptékben vette fel az amerikai természetet. A kiterjedt tájak és széles látképek helyett kis rügyeket vagy egyedi leveleket választott festményeinek, remélve, hogy még az elfoglalt New York -iak is lehetőséget kapnak a természeti világ szépségének értékelésére.

Az egyik virág, amely O'Keeffe számos festményén megtalálható, Jimson gyomnövénye (közönséges kábítószer), egy mérgező növény, amelyet új -mexikói otthona közelében fedezett fel. Egy finom, de mérgező virágot ábrázoló közeli képei veszélyessé varázsolják a szépséget, és megfagyasztják a mulandóságot, halhatatlanná téve azt.

Annak ellenére, hogy a virágos festményeinek gyakran tulajdonított bensőséges szövegkörnyezetet, O'Keeffe ragaszkodott ahhoz, hogy ezek tisztelgjenek a természet szépsége előtt, és hogy az ilyen értelmezések a kritikus saját előrejelzései, nem pedig szándékai. a nyilvánosság meglepetése és izgalma abban a pillanatban, amikor majdnem negyvenöt millió dollárért adták el, ami egy művésznő legdrágább alkotása lett.

4. Mark Rothko

Bár első pillantásra olyan egyszerűnek tűnik, hogy bárki, aki ecsettel és vászonnal rendelkezik, festheti a 10. számot - Mark Rothko egyik leghíresebb festményét. Valójában ez a mű képviseli a művész képességeit mind hangszerekben, mind technikában. Az olajok természetfeletti ragyogással csillognak, amely energiát és mozgást kölcsönöz a festménynek. A színpaletta közvetlen asszociációkat idéz elő a hőséggel, a tűzzel és a szenvedéllyel, és azokon a területeken, ahol a sárga találkozik a naranccsal, a piros pedig feketével, az ismeretlen megszállott érzése hatja át.

Ki tudja, mi motiválta a Christie's egyik névtelen licitálóját, aki sajnálkozás nélkül lenyűgöző, nyolcvankét millió dolláros összeggel vált el, miután saját gyűjteményéhez megszerezte a 10.

5. Andy Warhol

Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor és Marlon Brando alakjainak megjelenítése után szinte elkerülhetetlen volt, hogy a popművész a Rock királyához forduljon, hogy befejezze amerikai ikonok panteonját. Warhol rajongása a populáris kultúra iránt Elvis Presley-t ideális témává tette egyik jellegzetes selyemnyomatához. Az egymást átfedő filmszerű monokróm képek és az ezüst képernyő ötlete fényes háttérben tükrözi a nézőt az 1950-es évek Hollywood világába, felejthetetlen élményt nyújtva. Ez a megjelenés olyan erőteljes, hogy a Christie's -ben vásárolta 2014 -ben, 82 millió dollárért.

6. Barnett Newman

1958 és 1966 között Barnett Newman (Newman) fekete pigmentek sorozatát készítette nyitott vásznon. Egyszerűségük és a fény és a sötétség szimbolikus kölcsönhatása megtestesíti az ünnepélyesség és a végtelenség érzését, amelyet a művész testvére elvesztése generált. Newman bánatát és a halandósággal való elfoglaltságát durva és feszült, ugyanakkor kifinomult és harmonikus műalkotásokba fordította le.

A címben a tűzre való hivatkozás arra ösztönzi a nézőt, hogy még egy lineáris villám és monokróm palettán is láthassa a mozgást és a szenvedélyt. A darab minden bizonnyal tüzet gyújtott egy névtelen ajánlattevő szívében, aki 2014 -ben 84 millió dollárért vásárolta meg a Black Fire I -t a Christie's -től.

7. Mark Rothko

„Narancssárga, piros, sárga” - olyan színek, mint Mark Rothko festménye, ugyanazon okok miatt vonzzák a tekintetet és az érzelmeket, mint a 10. sz. különbözőek, különleges elmélkedést igényelnek. A 10. sz.

Számtalan könnyű vonás különféle textúrákat hoz létre, a majdnem átlátszótól a gazdag opálosságig, ami feltűnő mélységérzetet kölcsönöz a festménynek. A vászon hatalmas, csaknem 8 láb magas fesztávolságával kombinálva ez azt a hatást kelti, hogy a néző bensőséges melegségbe burkolja. Ezért Rothko e művét 2012-ben árverezték el a Christie's-ben, majdnem nyolcvanhét millió dollárért.

8. Edward Hopper

A Chop Suei -t gyakran Edward Hopper legtökéletesebb festményének tartják, mivel minden érzékszervre vonzó, és felkéri a nézőt, hogy fejben hozzon létre egy történetet. A Weehawken feletti keleti szélhez hasonlóan Chop Suei az amerikai élet nyugodtabb pillanataira összpontosít, és mindennapi jelenetet mutat be széles ecsetvonásokkal és tompa hangokkal.

Sok fotográfiai realizmus helyett, amire sok társa törekedett, ez a stílus egy emlék vagy egy álom hatását idézi fel. A varázslatos és titokzatos jelenet rekordot döntött Hopper legdrágább művénél, amikor 2018-ban alig kilencvenkét millió dollárért adták el a Christie's-ben.

9. Roy Lichtenstein

Jóval azelőtt, hogy 2015-ben kilencvenöt millió dollárért eladták volna a Christie's-ben, Roy Lichtenstein ápolója az amerikai művészet ikonikus alkotása lett, és megtestesíti a pop art kihívását a hagyományos képzőművészet felé. Példát véve a modern reklámkampányokból, képregényekből és reklámokból, a pop art új lencsét adott közönségének, amelyen keresztül értelmezni lehetett a körülöttük lévő világot és a kapott üzeneteket.

A nővérmunka megőrzi a mélységérzetet és az energiát, amelyet a nő arcát, ujját és hátterét alkotó kézzel sablonos (nem gépi) pontok hatalmas mezője generál. A kép többi részét alkotó merész vonalakkal és színekkel kombinálva a festmény valahol a paródia, az őszinteség és az irónia között függ.

10. Jean-Michel Basquiat

Miután egy autóbalesetből felépülve megkapta Grey anatómiájának egy példányát, Jean-Michel Basquiat érdeklődni kezdett az emberi test iránt, amint azt a felnőttként készített festmények is bizonyítják. A koponya az egyik legismertebb kép, amely rendszeresen megjelenik munkásságában, szimbólum, amely hidat épít az élet és a halál között.

Példa erre az "Untitled" című munkája, amelyben élénk színek és kemény, kaotikus vonások ellentétben állnak az elsüllyedt, tompa koponyával. A tudományos alapot a városi stílussal ötvöző festmény Basquiat új művészeti megközelítését testesíti meg. Ezt mutatták be a Basquiat kiállításon, amelyet egyetlen bemutatott darabként nem neveztek meg, és a Sotheby's -ben, ahol a festményt száztiz millió dollárért adták el 2017 -ben.

11. Andy Warhol

A Triple Elvishez hasonlóan Andy Warhol ezüst autóbalesete selyemszitanyomás és ezüstfesték kombinációját használja, de a hatás teljesen más. A Silver Crash hangsúlyozza, hogy bár az autó lehet a szabadság, az ipar és az amerikai álom lényege, képes halálra, pusztulásra és katasztrófára is.

A roncsolt autó újra és újra megismétlődő, kísértetiesen ijesztő ábrázolása és a mellette kísértetiesen üres vászon három rendkívül híres műgyűjtő figyelmét keltette fel: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi és Thomas Amman. Egy névtelen Sotheby's árverésvezető 2013 -ban vásárolta meg a festményt százötmillió dollárért, ez a valaha volt legmagasabb ár, amelyet Warholért fizettek.

Folytatva a témát - 10 gyönyörű tájkép, amelyek a legvalóságosabb "magasztos energiával" töltik fel a nézőt, és mindenféle érzelmek tengerét adják.