Ragyogó művészek 9 remekműve, akik nagy divattervezőket inspiráltak és egyedi kollekciókat hoztak létre

2024 Szerző: Richard Flannagan | [email protected]. Utoljára módosítva: 2023-12-16 00:07

A történelem során a divat és a művészet kéz a kézben járt, hogy nagyszerű kombinációt hozzon létre. Sok divattervező a művészeti mozgalmaktól kölcsönzött ötleteket gyűjteményeihez, ami lehetővé tette a divat olyan művészeti formaként való értelmezését, amely főként ötletek és elképzelések kifejezésére szolgál. Ennek hatására néhány nemzetközileg elismert divattervező kiemelkedő gyűjteményeket hozott létre a 20. századi művészi mozgalmak alapján.

1. Madeleine Vionne

Madameine Vionne-t, aki 1876-ban született Észak-Közép-Franciaországban, "a stílus istennőjeként és a szabáskirálynőként" ismerték. Rómában tartózkodása alatt lenyűgözte a görög és római civilizációk művészete és kultúrája, és ősi istennők és szobrok ihlették. E műalkotások alapján alakította stílusának esztétikáját, és egyesítette a görög szobrászat és építészet elemeit, hogy új dimenziót adjon a női testnek. Madeleine a divattervezés és a ferde ruhák készségével forradalmasította a modern divatot. Gyakran konzultált olyan műalkotásokkal, mint a Szárnyas Győzelem Samotrakiával művészeti gyűjteményeihez.

Feltűnő a hasonlóság a hellenisztikus művészet remekműve és Vionne múzsája között. A szövet mélyen drapériája a görög chiton stílusában függőleges fénycsíkokat hoz létre az ábrán. A szobrot Nike, a győzelem görög istennője tiszteletére hozták létre, és csodálják a mozgás reális ábrázolása miatt. A Vionnet dizájn áramló kendője a hullámos szövet mozgására emlékeztet, amely a Nike testéhez tapad. A ruhák olyanok lehetnek, mint a lelkű élőlények, mint a test. A Samothrace szárnyas győzelméhez hasonlóan Madeleine olyan ruhákat készített, amelyek felébresztik a mélyen elrejtett emberi lényt. A klasszicizmus, egyben esztétikai és tervezési filozófia, lehetőséget adott Vionne -nak, hogy geometriai harmóniában közvetítse elképzelését.

Őt is lenyűgözték a kortárs művészeti mozgalmak, például a kubizmus. Madeleine elkezdte geometriai alakzatokat beépíteni alkotásaiba, és egy másik metszési módszert választott, az úgynevezett ferde vágást. Természetesen Vionne soha nem állította, hogy feltalálta a ferde vágást, hanem csak kibővítette használatát. Ahogy a nők nagy előrelépést tettek a jogaikért folytatott küzdelemben a huszadik század elején, Madeleine megvédte szabadságát azzal, hogy felszámolta a hosszú életű viktoriánus fűzőt a nők mindennapi viseletétől. Ezért a nők mellszobor kényszerétől való megszabadulásának szimbólumává vált, és ehelyett új, könnyebb szöveteket bocsátott ki, amelyek szó szerint a nők testén folytak.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli Valentino fő tervezője, és nagyon vonzódnak a középkor vallási munkáihoz. Az inspiráció kiindulópontja számára a középkorból az északi reneszánszba való átmeneti pillanat. Együttműködött Zandra Rhodes -szal, és közösen fejlesztettek ki egy inspiráló kollekciót 2017 tavaszán. Piccioli a 70 -es évek végének punkkultúráját szerette volna összekapcsolni a humanizmussal és a középkori művészettel, ezért visszatért gyökereihez és a reneszánszhoz, inspirációt keresve Hieronymus Bosch A földi örömök kertje című festményén.

A híres holland festő az északi reneszánsz egyik legjelentősebb képviselője volt a 16. században. A "Földi örömök kertjében", amelyet Bosch festett a reformáció előtt, a művész a Paradicsomot és az emberiség teremtését, Ádám és Éva első kísértését, valamint a bűnösöket váró Pokolot akarta ábrázolni. A középső ablaktáblán úgy tűnik, hogy az emberek kielégítik étvágyukat az öröm világában. A Bosch ikonográfiája kiemelkedik eredetiségével és érzékiségével. Az egész képet a bűn allegóriájaként értelmezik.

A divatvilágban a festmény népszerűvé vált, mivel különböző divattervezőket lenyűgöztek motívumai. A korszakokat és az esztétikát ötvöző Piccioli újraértelmezte a Bosch szimbólumait repülő átlátszó ruhákkal, míg Rodosz romantikus nyomatokat és hímzett mintákat készített, amelyek kissé hasonlítanak az eredeti műhöz. A színek minden bizonnyal részét képezték annak az üzenetnek, amelyet a tervezők közvetíteni akartak. Így a repülő álmodozó ruhák kollekciója az almazöld, halvány rózsaszín és kék robin tojás északi színpalettáján alapul.

3. Dolce és Gabbana

Peter Paul Rubens mesterien festett nőket szeretettel, tanulással és szorgalommal. "Vénuszát a tükör előtt" mutatta be, mint a szépség legfőbb szimbólumát. Peter kizárólag világos arcát és szőke haját ábrázolta, amely ellentétben áll a sötét bőrű cselédlánnyal. A tükör a szépség abszolút szimbóluma, amely úgy formálja a nőt, mint egy portré, és ugyanakkor finoman hangsúlyozza az alak meztelenségét. Az Ámor által az istennőnek tartott tükör azt mutatja, hogy a Vénusz tükröződése az erotikus vonzalom és vágy ábrázolása. Rubens, aki a barokk művészet egyik alapítója volt, és a "színek a vonalak felett" koncepciója több divattervezőre is hatással volt, köztük a Dolce & Gabbanára is. A barokk stílus eltért a reneszánsz szellemiségétől, elhagyta a nyugalmat és a karcsúságot, helyette az eleganciát, az izgalmat és a mozgást kereste.

Domenico Dolce és Stefano Gabbana divattervezők olyan kampányt akartak létrehozni, amely a női szépség érzéki és romantikus oldalát is megünnepelné. Peter Paul Rubens volt a legmegfelelőbb inspirációs forrás. A kultikus duó alkotásai nagy összhangban voltak a flamand művész művészetével. Ebben a kollekcióban a modellek nagy előkelőséggel pózoltak, úgy néztek ki, mintha most léptek volna le Rubens egyik festményéről. A díszítéseket úgy tervezték, hogy hasonlítsanak a barokk tükrökre és hímzési részletekre. A figurák kecsességét és a pasztell színpalettát gyönyörűen hangsúlyozta a brokát rózsaszín ruha. A divattervezők azon választása, hogy különféle modelleket tartalmaznak, tovább hozzájárult az adott korszak testtípusához. A Dolce és a Gabbana által használt görbe vonalak ellentétesek voltak a különböző testtípusok megkülönböztetésével a divatiparban.

A Dolce és Gabbana női őszi 2012 kollekció az olasz barokk építészet számos jellemzőjét mutatja be. Ez a kollekció tökéletesen illeszkedik a szicíliai barokk stílus gazdagon díszített jellemzőihez. A tervezők a barokk építészetre összpontosítottak, amint azt Szicília katolikus templomai is látják. A referenciapont Rubens festménye volt, "Ausztria Anna portréja". Királyi arcképén az osztrák Annát spanyol módon ábrázolják. Anna fekete ruháját zöld hímzés függőleges csíkjai és arany részletei díszítik. A fényűző textíliákból, például csipkéből és brokátból készült, mesterségesen tervezett ruhák és köpenyek a Dolce és Gabbana show fő jellemzőjévé váltak, akik kreativitásukkal meghódították a világot.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga igazi mesternek nevezhető, aki a huszadik században megreformálta a női divatot. Egy spanyol kis faluban született, és a spanyol művészettörténet lényegét hozta kortárs projektjeibe. Pályafutása során Balenciagát lenyűgözte a spanyol reneszánsz. Gyakran keresett ihletet a spanyol királyi családtól és a papság tagjaitól. A divattervező a korabeli egyházi tárgyakat és szerzetesi köntösöket hordható divat remekművekké változtatta.

Egyik nagy inspirációja a manierista El Greco volt, más néven Dominikos Theotokopoulos. El Greco Fernando Niño de Guevara bíborost nézve látható a hasonlóság a bíboros köpenye és Balenciaga tervei között. A festmény Fernando Niño de Guevara spanyol bíborost ábrázolja El Greco idejében Toledóban. El Greco elképzeléseit az olasz reneszánsz neoplatonizmusából kölcsönözték, és ebben a portréban a bíborost Isten kegyelmének szimbólumaként mutatja be. A modorosság jelen van az egész képben. Ez észrevehető egy hosszú fejű, kis fejű, kecses, de bizarr végtagokkal, intenzív színekkel, valamint a klasszikus mértékek és arányok elutasításával.

Balenciaga szenvedélye a történelmi ruházat iránt nyilvánvaló ebben az extravagáns esti kabátban 1954 -es kollekciójából. Volt látása és képessége arra, hogy modern formákat találjon ki. Ennek a kabátnak a túlzott gallérja egy bíborosi köpeny zsákos stílusát tükrözi. A bíboros ruhájának vörös színe a vért és a hitért való meghalási hajlandóságát szimbolizálja. Az élénkpiros színt a híres tervező rendkívülinek tartotta, mivel gyakran kedvelte a merész színkombinációkat és az élénk árnyalatokat. Nagy újítása volt a derékvonal megszüntetése és az áramló vonalak, egyszerű vágások és háromnegyedes ujjak bevezetése. Ezzel Balenciaga forradalmasította a női divatot.

A tervező bemutatta a karkötőig érő ujjat is, amely lehetővé tette a nők számára ékszereik megjelenítését. A hatvanas években, amikor a nők fokozatosan bekerültek a munkaiparba, Balenciagának támadt egy ötlete, hogy kényelmet, szabadságot és funkcionalitást adjon az öltözött nőknek. Laza, kényelmes ruhákat népszerűsített, amelyek ellentétben álltak az akkori formavilággal.

5. Alexander McQueen

Gustav Klimt osztrák művész, a szimbolizmus mestere és a bécsi elszakadási mozgalom megalapítója tette le a 20. századi művészet történetének alapjait. Festményei és művészi esztétikája régóta inspirálja a divattervezőket. Mások, például Aquilano Rimondi, L'Rene Scott és Christian Dior, a tervező, aki közvetlenül hivatkozott Klimtre, Alexander McQueen volt. A 2013 -as Resort Spring / Summer kollekcióban egyedi darabokat tervezett, amelyeket a művész munkája ihletett. Tekintettel egy áramló fekete ruhára, tetején ismétlődő arany mintával - egy konkrét kép juthat eszünkbe. McQueen absztrakt, geometrikus és mozaik mintákat használt bronz és arany tónusokban, beépítve ezeket a terveibe.

1905 -ben Gustav Klimt festette az "Ölelés" című festményt, amely egy gyengéd ölelésbe fogott házaspárt ábrázolt, amely a szerelem szimbólumává vált. Az osztrák művész aranyfestményeiről, valamint az absztrakció és a színek tökéletes kombinációjáról ismert. Minden mozaik gazdag arany tónusú, kaleidoszkópikus vagy természetes díszítéssel, amelyek nagy hatással voltak a divatra. Ez a festmény feltűnő a két szerelmes ruhája közötti kontrasztos geometriai formák miatt. A férfi ruházat fekete, fehér és szürke négyzetekből áll, míg a női ruhát ovális körök és virágmotívumok díszítik. Így Klimt mesterien szemlélteti a férfiasság és a nőiesség közötti különbséget. Alexander valami hasonlót fogadott el a ruháihoz.

6. Christian Dior

Az impresszionizmus alapítója és a művészettörténet egyik legnagyobb francia festője, Claude Monet nagyszerű művészi örökséget hagyott maga után. Monet a giverny -i otthonát és kertjét használta inspirációként, és megörökítette festményein a természeti tájat. Különösen a "The Artist's Garden at Giverny" című festményen sikerült a természeti tájat szükségleteinek megfelelően manipulálni. A barna koszpálya kontrasztja a virágok élénk színével kiegészíti a jelenetet. A híres impresszionista gyakran választotta az íriszvirágot lila színe miatt, hogy megteremtse a ragyogó nap hatását. Ez a festmény tele van élettel, ahogy virágok virágoznak és köszönnek, átölelik a tavaszt. A rózsa- és lila szirmok, az íriszek és a jázmin a fehér vásznon ábrázolt színes paradicsom része.

Hasonló módon Christian Dior, a francia divat úttörője óriási nyomot hagyott a divatvilágban, amely ma is érezhető. 1949 -ben haute couture kollekciót tervezett a tavaszi / nyári szezonra. A kiállítás egyik fénypontja az ikonikus Dior ruha volt, amely teljesen rózsaszín és lila árnyalatú virágszirmokkal volt hímezve. A Dior tökéletesen illusztrálta a művészet és a divat két világát, és Monet esztétikáját utánozta ebben a funkcionális ruhában. Sok időt töltött vidéken, gyűjteményeit festette Granville -i kertjében, ahogy Monet is tette. Így határozta meg az elegáns Dior stílust azáltal, hogy Monet színpalettáját és virágmintáit beépítette alkotásaiba.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian az egyik első művész volt, aki a 20. században alkotta meg az absztrakt művészetet. 1872 -ben született Hollandiában, és egy egész művészeti mozgalmat alapított De Stijl néven. A mozgalom célja a kortárs művészet és az élet egyesítése volt. Ez a stílus, más néven neoplasztika, az absztrakt művészet egyik formája volt, amelyben csak a geometriai elvek és az elsődleges színek, például a piros, a kék és a sárga használatát kombinálták semlegesekkel (fekete, szürke és fehér). Pete innovatív stílusa az 1900 -as évek elején arra kényszerítette a divattervezőket, hogy reprodukálják ezt a tiszta absztrakt művészetet. A legjobb példa erre a festési stílusra a kompozíció piros, kék és sárga színekkel.

A művészet szerelmese, Yves Saint Laurent francia divattervező beépítette Mondrian festményeit haute couture alkotásaiba. Először Pete munkássága ihlette, amikor elolvasott egy könyvet a művész életéről, amelyet édesanyja ajándékozott neki karácsonyra. A művész geometriai vonalai és merész színei ihlette hat koktélruhát mutatott be, amelyek ünnepelték ikonikus stílusát és általában a hatvanas évek korszakát. Mondrian minden ruhája kissé más volt, de mindegyikük egyszerű A-vonalú volt, és ujjatlan térdhosszú, amely minden testalkatnak tökéletes volt.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, aki 1890 -ben született egy római arisztokrata családban, hamarosan kifejezte szerelmét a divatvilág iránt. A futurizmus, a dada és a szürrealizmus ihlette forradalmi stílusát. Karrierje előrehaladtával olyan híres szürrealistákkal és dadaistákkal lépett kapcsolatba, mint Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp és Jean Cocteau. Még a spanyol Salvador Dalival is együttműködött.

A divattörténet egyik legnagyobb együttműködése Dali és Elsa Schiaparelli együttműködése volt. Ez a ruha Salvador Dalival készült, Schiaparelli cirkuszi kollekciójának részeként 1938 nyarán. A ruha Dali festményére utal, amelyen torz testalkatú nőket ábrázolt.

A szürrealista művészek számára az ideális nő keresése kudarcra volt ítélve, mivel az ideál csak a képzeletükben létezett, a valóságban nem. Dali azonban nem szándékozott valósághűen ábrázolni a nőket, így testük egyáltalán nem esztétikus. A Schiaparelli kísérletet akart tenni a test elrejtésének és feltárásának ezzel a játékával, megteremtve a sebezhetőség és a bizonytalanság illúzióját. A könnyek illúziójával díszített ruha halványkék selyemkreppből készült, tisztelegve Salvador és aránytalan asszonyai előtt.

9. Gianni Versace

A Pop Art korszaka volt talán a legbefolyásosabb időszak a divattervezők és a művészek számára a művészettörténetben. Andy Warhol úttörő szerepet játszott a popkultúra és a magas divat ötvözésében, így a pop art mozgalom ikonikus szimbóluma lett. A hatvanas években Warhol elkezdte gyakorolni a selyemszitanyomás néven ismert aláírási technikáját.

Az egyik legkorábbi és kétségkívül leghíresebb műve a Marilyn Diptych volt. Ehhez a darabhoz nemcsak a popkultúrából merített ihletet, hanem művészettörténetből és absztrakt expresszionista művészekből is. Andy megörökítette Marilyn Monroe két világát, egy hollywoodi sztár társasági életét és Norma Jeane tragikus valóságát, egy nő, aki depresszióval és függőséggel küszködött. A diptich erősíti a rezgést a bal oldalon, míg a jobb oldalon eltűnik a sötétségben és a homályban. A fogyasztói társadalom és a materializmus képviseletében az egyéneket inkább termékként ábrázolta, mint embereket.

Gianni Versace olasz tervezőnek hosszú távú barátsága volt Andy Warholnal. Mindkét férfit lenyűgözte a populáris kultúra. Warhol tiszteletére Versace 1991 -es tavaszi / nyári kollekcióját neki ajánlotta. Az egyik ruhán Warhol -nyomatok láthatók Marilyn Monroe -val. Szoknyákba és maxiruhákba illesztette be Marilyn és James Dean élénk selyemportréit az 1960 -as évekből.

A divat, a szépség és a rendkívüli ötletek témakörének folytatásaként olvassa el azt is, hogyan a modern művészek a sminket igazi műalkotássá változtatták.