Az Ermitázs 7 remekműve, amelyeket érdemes megnézni 2020 -ban

2024 Szerző: Richard Flannagan | [email protected]. Utoljára módosítva: 2023-12-16 00:07

A tudósok régóta bebizonyították, hogy a művészet jótékony hatással van az emberi egészségre, mivel csökkenti a szorongás és a stressz szintjét a szervezetben. Ez különösen igaz a képzőművészetre és a szép szemlélésére. Ezért annak érdekében, hogy 2020 -at a test és a lélek kedvező állapota töltse ki, érdemes ellátogatni az Ermitázsba és megnézni a múzeum leghíresebb kiállításait.

"Péter és Pál apostolok" El Greco

El Greco az egyik legfényesebb és legeredetibb művész. Görög származású, festészetet tanult Olaszországban a nagy Titian műhelyében. Bálványától tanulta az olajtechnikát, és az olasz manierizmus művészi technikái is inspirálták. El Greco kiemelkedett kollégái közül a drámaian kifejező stílus eredetiségével. Portréin nagy figyelmet fordított a pszichológiai jellemzésre. Az Ermitázs festményén a művész két különböző embertípust képvisel. A bal oldalon Péter apostol látható, aki háromszor tagadta Krisztus létezését. Arca szomorúságot és bizonytalanságot közvetít, miközben gesztusait bűnbánat és könyörgés árnyalja. Pál apostol, aki, mint tudod, eredetileg buzgó üldözője volt a keresztényeknek, a képen lelki buzgalmat mutat az igazság megerősítésében. A mű kompozíciós központját alkotó kézmozdulatok a két apostolt egyesítő párbeszédet fejezik ki.

Az ősz hajú Péter aranyköntösbe burkolózva oldalra hajtotta a fejét. Bal kezében a szimbólumát tartja - a mennyek országának kulcsát. Pavel határozottan a bal kezét nyomja az asztalon lévő nyitott kötethez, a jobb keze tisztázó gesztusként felemelkedik, amikor közvetlenül a nézőre néz. Szent Péter és Pál számos alkalommal szerepel El Greco művében, és feltűnő következetességgel vannak ábrázolva. A művész Petrát mindig ősz hajjal és szakállal mutatja, és gyakran visel sárga köntöst egy kék tunika felett. Paul mindig kissé kopaszodik, sötét hajú és szakállú, piros köntösben kék vagy zöld ruhákon.

Titian "Bűnbánó Mária Magdolna"

A bűnbánó Mária Magdolna Szent Mária Magdolna Titianus arcképe körülbelül 1531 -ből, a bal oldali edényen „TITIANUS” aláírással. A cselekmény szerint ez egy felbomlott múltú nő, aki az evangélium szerint (Lk 7, 36-50) Simon farizeus házához érkezett, hogy bocsánatot kérjen Jézustól. Ez egy nőies alak, amelyet Titian ábrázolt vastag, tömény vonásokkal és meleg tónusokkal. A paletta kiemeli a kristály könnyekben áztatott hihetetlen szemeket. A figurát borító réz szőke haj elképesztően meg van írva. A bűnbánó Mária Magdolna témája, aki szemét az ég felé emeli, nagy népszerűségre tett szert Olaszországban a 16. században az arisztokraták, a vallási vezetők és a gazdag középosztály körében. A ruházat hiánya azt jelképezi, hogy a Magdolna elutasította az ékszereket, az aranyat és a világi hobbikat a Krisztusba vetett hit érdekében. Ezenkívül az arany haj és a Magdaléna általános alakja megfelel a reneszánsz szépség szabványainak.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta"

A festmény a milánói nemesi családról kapta a nevét, amelynek gyűjteményében a XIX. 1865 -ben II. Sándor orosz cár megvásárolta a vásznat az Ermitázs számára, ahol a mai napig látható. Ez a munka a Krisztus -gyermeket szoptató Madonnát ábrázolja. Vegye figyelembe, hogy ezen a képen nincs szellemkép. Leonardo számos vásznán ugyanez a jellemző. A figurák sötét belső térben helyezkednek el, két íves nyílással, amelyek a hegyvidéki tájat nézik. Érdekes részlet: a kép közepén, Krisztus bal kezében egy aranypinty látható, amely Krisztus szenvedélyének szimbóluma.

Az anyaság örömének érzését a "Madonna Litta" festményen különösen elragadóan ábrázolják Mária -kép gazdagságának köszönhetően - itt találta meg érett kifejezését Leonardo női szépségéről. A Madonna szelíd, gyönyörű arca különleges szellemiséget kölcsönöz a félig lehunyt szemeknek és az enyhe mosolynak. A festmény kompozíciója feltűnő tisztaságával és tökéletességével feltűnő. A Madonna és a gyermek gyakori motívum volt a keresztény művészetben a középkorban, és folytatódott a reneszánszig.

Caravaggio "lantos játékos"

A festményt Francesco del Monte bíboros rendelte, aki a művész pártfogója volt. Caravaggio egy fiatalembert ábrázolt, akit elbűvölt a zene: tekintete inspirációval teli, ujjai a húrokba kapaszkodnak. Egy fehér ingű fiatalember alakja egyértelműen kiemelkedik a sötét háttér előtt. A durva oldalvilágítás és a lehulló árnyékok szinte érzékelhető térfogatot és súlyt adnak a tárgyaknak. A képen elhelyezett tárgyak a művész nagy szeretetéről tanúskodnak a körülötte lévő világ iránt, vágyáról, hogy őszintén reprodukálja a természetet, minden részlet anyagi minőségét közvetítse. A lantos hős előtt fekvő jegyzetfüzetre a 16. században népszerű madrigál "Te tudod, hogy szeretlek" nyitó jegyzetei vannak felírva.

A szeretetet, mint e munka témáját más tárgyak is jelzik. Például a repedt lant a szerelem metaforája volt, amely kudarcot vall. A kreativitás hajnalán Caravaggio gyakran adott nőies vonásokat a fiataloknak, ami azonban jellemző volt a 16. század végi olasz művészetre. Érdekes, hogy az Ermitázs festményének zenészét gyakran összetévesztették egy lánnyal, és a kompozíciót "The Lute Player" -nek hívták.

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

A művész egyik legjobb alkotását - a "The Lady in Blue" - Gainsborough alkotta meg kreatív erejének fényében. Egy átlátszó fehér szövetből készült, nyitott ruhás fiatal nő alakja finoman kiemelkedik a sötét háttér előtt. Púderes haja mókás frizura. Nagy fürtök esnek a lejtős vállakra. A fiatalos arc frissességét félig nyitott ajkak és mandula alakú sötét szemek hangsúlyozzák. Jobb kezének enyhe mozdulataival a kék selyemsálat tartja. A szürkés, kékes, rózsaszín és fehér tónusokat itt -ott élénk vonásokkal fokozzák, és segítenek átadni a modell eleganciáját és szépségét.

Gainsborough képi technikájának merészsége lenyűgözte kortársait. Reynolds tehát "furcsa foltokat és vonásokat" jegyzett fel Gainsborough festményein, "amelyek valószínűbbnek tűnnek a véletlen eredményeként, mint tudatos szándékként". Ez a nem tudományos hagyomány Gainsborough egyik legnagyobb eredménye. A "Kék hölgy" 1916 -ban akaratából került az Ermitázsba az A. 3. Khitrovo gyűjteményéből.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn: A tékozló fiú visszatérése

A bibliai művészet e remekműve ismét megerősíti, hogy Rembrandt minden idők egyik legjobb festőjeként és minden régi mester legnagyobbjaként szerepel a bibliai jelenetek ábrázolásában. A tékozló fiú visszatérése című festmény, amelyet a művész élete utolsó éveiben fejezett be, egy jelenetet ábrázol a Lukács 15: 11–32 példázatából. A kiváló művészkritikus, Kenneth Clarke szerint a vászon minden idők egyik legnagyobb festménye. A cselekmény szerint az apa, akárcsak a pátriárka, a borotvált bűnbánó vállára fekteti a kezét, és kopott ruhába öltözik. Szeme szinte csukva van. A megbocsátás cselekedete a szinte szentségi szentség áldásává válik.

Ez a kép a legnagyobb szellemiséggel, mentes minden anekdotikus aspektustól, amelyben minden mozdulat és cselekedet megtorpant. A jelenet sötétségbe merül, akár egy alagút, ahonnan apa és legidősebb fia arca sápadtan ragyog. Piros köntösük fényt ad ennek a sötétségnek. Rembrandt többször festett a tékozló fiú témájára, de ebben a monumentális olajváltozatban a legizgalmasabb és - a legidősebb és a kisebbik (tékozló) fiú ellentétének köszönhetően - a lélektanilag legnehezebb megfogalmazáshoz jutott.

"Tánc" Henri Matisse

A "tánc" Henri Matisse egyik leghíresebb alkotása - az élet, az öröm, a fizikai elutasítás és a kortárs művészet szimbóluma. A darabot a befolyásos orosz gyűjtő, Szergej Scsukin rendelte meg 1909 -ben, hogy díszítse kúriáját. Egyszerűségével és energiájával jellemezve ez a művészi orgia kitörölhetetlen nyomot hagyott a 20. század művészetében. A táncot a fauvista esztétika csúcsán írták, és a hagyományos nyugati művészeti hagyományok felszabadulását testesíti meg. Henri Matisse esztétikai választása ehhez a festményhez valódi botrányt okozott a művészeti szalonokban 1910 -ben. A merész meztelenség és a durva árnyalatok rendkívüli jelleget kölcsönöztek a képnek abban az időben, amely nézők szemében barbárnak tűnt.

Matisse csak három színt használt a tánc ábrázolásához: kék, zöld és piros. A hagyományos fauvista színösszeállításoknak megfelelően ez a három árnyalat intenzív kontrasztot teremt. Matisse célja azonban nem az volt, hogy sokkolja a közönséget. Éppen ellenkezőleg, arra törekedett, hogy egyesítse az embereket egymással és a természettel. Ahogy a művész mondta: "Amiről álmodom, az kiegyensúlyozott, tiszta és nyugodt művészet, amely elkerülheti a bajt vagy a csalódást."