Hogyan váltak híres művészek festményei a divat részévé, és alakították ki a XX

2024 Szerző: Richard Flannagan | [email protected]. Utoljára módosítva: 2023-12-16 00:07

A művészet és a divat közötti kapcsolatok meghatározzák a történelem bizonyos pillanatait. Mindkét médium társadalmi, gazdasági és politikai változásokat tükröz a zúgó húszas évektől az élénk nyolcvanas évekig. Íme négy példa a művészekre és divattervezőkre, akik munkájukkal hozzájárultak a 20. századi művészet és divat új perspektívájának kialakításához.

1. Halston & Warhol: Divat Testvériség

Roy Halston és Andy Warhol barátsága határozta meg a művészi világot. Roy és Andy is vezetők voltak, akik megnyitották az utat ahhoz, hogy a művész / tervező hírességgé váljon. Eltávolították a művészvilág igényes megbélyegzését, és divatot és stílust hoztak a tömegeknek. Warhol többször is használt selyemszitanyomást a képek elkészítéséhez. Bár természetesen nem ő találta fel a folyamatot, forradalmasította a tömegtermelés gondolatát.

Roy egyszerű és elegáns szöveteket és mintákat használt flitterekkel, ultrákkal és selyemmel. Az elsők között tette elérhetővé és kívánatossá az amerikai divatot. Mindketten végső nyomot hagytak a művészetben és a stílusban az 1960 -as, 70 -es és 80 -as években, ami a mai napig tart.

Roy és Andy is sok különböző projekten dolgoztak együtt. Warhol olyan reklámkampányokat készített, amelyek Halston ruháit, sőt magát Halstonot is felvonultatták. Halston viszont a Warhol virágmintát használta néhány ruhakollekciójában, az esti ruhától a szabadidős szettig.

Roy egyszerű mintákat használt ruháiban, ami nagyon sikeres lett. Kényelmes viselet volt, de a textíliáknak, színeknek és nyomatoknak köszönhetően egy kis luxus is volt. Warhol egyszerűsítette anyagait és folyamatát is. Ez megkönnyítette műveinek reprodukálását és eladhatóbbá tette őket.

A kereskedelmi siker mindkét művész számára saját kihívásokkal járt. Halston volt az első, aki 1982 -ben partnerséget kötött a JCPenney kiskereskedelmi lánccal, és ez befolyásolta márkája minőségét. Warhol kritikát is kapott, mivel munkáját felületesnek tartották. Mindketten azonban modernizálták kiskereskedelmi és marketinghasználatukat saját területeiken, hogy márkákat hozzanak létre a tömeges piaci értékesítéshez.

Roy és Andy gyakori látogatói voltak a Studio 54 -nek. Partikat rendeztek, olyan hírességeknek terveztek és készítettek alkotásokat, mint Liza Minnelli, Bianca Jagger és Elizabeth Taylor. Mindez tükröződik munkájukban, mivel ezek inspirálták és meghatározták a hetvenes évek diszkókorszakát.

Halston ismert volt csillogó esti viseletéről. Roy vízszintesen fektette a flittereket az anyagra, csillogó hatást keltve az anyagból, amellyel fényűző ruhákat készített, amelyeket sok elbűvölő hölgy szeret.

A Warhol Diamond Dust Shoe sorozat illusztrálja a Studio 54 éjszakai életét és az ott élő hírességeket is. A gyémántport használta a sablonok vagy festmények fölött, ami további mélységet teremtett a darabnak. És a cipője eredetileg Halston hirdetési kampányának ötlete volt. Mindenesetre ez a kettő óriási mértékben hozzájárult a divathoz, és kitörölhetetlen nyomot hagyott maga mögött. Valóban, ma is sok modern tervezőt inspirál Andy és Roy ötletei, és csodálatos kollekciókat hoznak létre a múlt visszhangjával.

2. Sonia Delaunay: Amikor a művészetből divat lesz

Sonia Delaunay nemcsak forradalmasította a kubizmus új formáját, hanem bevezette a művészet és a divat kapcsolatát is. Delaunay és férje is az orfizmus úttörői voltak, és a művészetben az absztrakció különböző formáival kísérleteztek. Ő volt az első a maga nemében, aki saját művészi stílusát használta, és eredeti textiltervei, nyomatai vagy mintái segítségével beköltözött a divatvilágba. Inkább a művészetéről és a férjével való kapcsolatról emlékeznek rá, mint a divatjáról. Stílusa nagy szerepet játszott az 1920 -as években, és ruházati katalógusára inkább a fényképek és a művészetre való hivatkozások emlékeznek, mint maguk a ruhadarabok. Sonya esetében nem volt és nincs határ a művészet és a divat között. Számára egy és ugyanaz.

Az 1920 -as években kezdte divatüzletágát, ruhákat készített ügyfeleinek, és szöveteket tervezett a gyártók számára. Sonya szimultánnak nevezte címkéjét, és még tovább ment a színek és minták különböző témákban történő használatával. Munkájában fontos szerepet játszott az egyidejűség, szokatlan technikája pedig egy patchwork paplanra vagy kelet -európai textíliákra emlékeztetett: a színek egymásra voltak helyezve, a mintákat pedig a harmónia és a ritmus megteremtésére használták. Gyakori témái közé tartoznak a négyzetek / téglalapok, a háromszögek és az átlós vonalak vagy gömbök - mindezek átfedésben vannak különböző tervei között.

Delaunay fiatal nő volt az Edward -korszakban, amikor a fűző és a megfelelőség volt a norma. Ez az 1920-as években megváltozott, amikor a nők szoknyát kezdtek viselni a térd felett, és laza, testhezálló ruházatot. Ez a szempont látható Delaunay tervein, és szenvedélyesen szeretett volna olyan ruhákat készíteni, amelyek megfelelnek a nők igényeinek. A Sonya olyan fürdőruhákat fejlesztett ki, amelyek lehetővé tették a nők számára, hogy még sportolás és úszás közben is kényelmesebben érezzék magukat. Nyomatait kabátokra, cipőkre, kalapokra és még autókra is tette, bármilyen felületet vászonként. Tervei megteremtették a mozgás és a kifejezés szabadságát a szín és a forma révén.

Pályafutása során folyamatosan valami újat próbált ki magának, és ennek következtében moziba és színházba költözött. Sonia tervezte a jelmezeket Rene Le Somptier A kis párizsi című művéhez, míg a férje készítette a díszletet a filmhez. Szerette a geometriai formákat, ügyesen ötvözte és keverte őket egymással, bizarr mintákat és törött vonalakat alkotva, amelyek a fémjelzésévé váltak.

3. Elsa Schiaparelli és Salvador Dali együttműködése

A szürreális művészet avantgárdja ötvöződik a szürreális divat vezetőjével. Salvador Dali és Elsa Schiaparelli divattervező karrierjük során együttműködtek és inspirálták egymást. Olyan ikonikus megjelenéseket hoztak létre, mint a homárruha, a cipős kalap és a könnycsepp, amelyek sokkolták és inspirálták a közönséget mind a művészetben, mind a divatban. Dali és Schiaparelli megnyitotta az utat a divattervezők és művészek jövőbeni együttműködésének, áthidalva a szakadékot a viselhető művészet és a divat között. Dali a homárokat visszatérő témaként használta munkájában, és érdeklődött anatómiájuk iránt.

Az "Omar" ruha Elsa és Dali közös munkája, megalkotásuk sok vitát váltott ki nemcsak a debütálás napján, hanem azután is. Először is, puszta mellbimbóval és fehér organza szoknyával rendelkezik. A szokatlan öltözék szó szerint felrobbantotta a divatvilágot, sok vitát okozva ezzel kapcsolatban. A fehér szövet használata ellentétben áll a homár vörös színével. A fehér szűznek tekinthető, vagy a tisztaságot szimbolizálja a piroshoz képest, ami nyugodtságot, erőt vagy veszélyt jelenthet.

A csontvázak egy másik téma a szürreális művészetben, és Dali és Schiaparelli több együttműködésében is használták. A Skeleton ruha volt az első a maga nemében. Elsa a trapunto nevű technikát alkalmazta, ahol két réteg szövetet varrnak össze, és körvonalat hoznak létre az ütő behelyezéséhez, ezáltal kiemelkedő hatást keltve. Ez a technika texturált felületet hoz létre egy lapos szöveten, és azt az illúziót kelti, hogy emberi csontok nyúlnak át a ruhán. Ez botrányt okozott, mert a ruha rugalmas anyagból készült, amely tapad a bőrhöz. Dali festményeinek és rajzainak fantáziái a Schiaparelli -öltözetek irreális világában öltöttek testet, amelyek mind a mai napig kitörölhetetlen benyomást tesznek a nézőkre és a tervezőkre.

4. Yves Saint Laurent: A művészet és az inspiráció összecsapása

Hol a határ az utánzás és a megbecsülés között? A kritikusok, a közönség, a művészek és a tervezők küzdöttek, hogy meghatározzák, hol húzódik ez a vonal. Azonban, amikor Yves Saint Laurentről volt szó, szándéka nem volt más, mint hízelgés és rajongás az általa inspirált művészek és festmények iránt. Hatalmas portfólióját tekintve Saint Laurentet a világ kultúrái és művészete ihlette, amelyeket sikeresen beépített a ruházatába.

Bár Yves soha nem találkozott az őt inspiráló művészekkel, ez nem akadályozta meg abban, hogy alkotásokat készítsen a tiszteletük jeléül. Laurent olyan művészektől merített ihletet, mint Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque és Picasso. Műgyűjtő volt, és Picasso és Matisse festményeit gyűjtötte össze, amelyeket otthonában akasztott fel.

Yves átvette a művészeti motívumok egy részét, és lenyűgöző ruhává változtatta, amely tiszteleg néhány kedvenc művésze előtt. A hatvanas évek a forradalom és a kereskedelem ideje volt, a divat és a művészet új korszaka. Saint Laurent projektjei kereskedelmi sikereket értek el, amikor elkezdett ihletet meríteni a pop artból és az absztrakcióból. 1965-ben huszonhat ruhát készített, amelyeket Piet Mondrian absztrakt festményei ihlettek. A ruhák megtestesítették Mondrian leegyszerűsített formáit és merész alapszíneit. Yves olyan technikát alkalmazott, amelyben nem látszódtak varratok a szövetrétegek között, ami azt a benyomást keltette, hogy a ruhák egy egész darab. Saint Laurent átvette Mondrian művészetét az 1920 -as évekből, és az 1960 -as évekhez képest viselhetővé tette.

A divatruhák az 1960 -as évek klasszikus példái. Hasonlóak voltak az 1920 -as évekbeli ruhákhoz, amelyek kevésbé voltak kötöttek, ujjaik és szegélyük nagy bőrfoltokat fedtek fel. Saint Laurent szögletes sziluettjei a nőket könnyűnek és szabadnak érezték. Ez inspirálta őt olyan pop -art művészektől is, mint Tom Wesselman és Andy Warhol. A pop art ihlette tervek sorát hozta létre, amelyek sziluetteket és kivágásokat tartalmaztak a ruháján. Arról volt szó, hogy le kell győzni a művészetben az absztrakció korlátait és a formatervezést. Laurent összehozta ezt a két ötletet, hogy olyan ruhákat hozzon létre a nők számára, amelyek ingyenesek és vonzóak a modern hölgyek számára.

Saint Laurent Vincent Van Gogh dzseki példája annak, hogy Yves ötvözte a művész ihletet saját tervezési tehetségével. A többi ruhájához hasonlóan a művészekkel kapcsolatos témákat sem másolták le és nem ragasztották fel Saint Laurent ruhájára. Ehelyett úgy döntött, hogy inspirációs forrásként használja őket, és saját stílusát tükröző darabokat készít. A kabát példa a 80 -as évek stílusára, amelyet napraforgóval hímeztek Van Gogh festői stílusában.

Laurent együttműködött Maison Lesage -vel, aki a haute couture hímzés vezetője. A "Sunflowers" kabát cső alakú gyöngyökkel hímzett. A virágok tele vannak narancssárga és sárga csillogással. Ez többdimenziós textúrát hoz létre, hasonlóan Van Gogh technikájához vastag festék felvitelére a vászonra. Becslések szerint ez az egyik legdrágább haute couture termék, amelyet valaha a Christie's -ben gyártottak és adtak el közel négyszázezer euróért. Saint Laurent megnyitotta az utat a ruházat, mint műalkotás viselése önmagában, divattól és időszaktól függetlenül.

Folytatva a témát, olvassa el a kb mi vezette Saeko Yamaguchit a sikerhez, így ő lett Kenzo és Yamamoto egyik legkedveltebb múzsája.