Híres ruhák a festészetben, amelyek alapján meg lehet ítélni, hogy mi volt a korszak divatja

2024 Szerző: Richard Flannagan | [email protected]. Utoljára módosítva: 2023-12-16 00:07

A művészet és a divat ősidők óta befolyásolták egymást, arra kényszerítve a kritikusokat és a divatrajongókat, hogy szorosan kövessék az új irányzatokat, sietve felváltva egymást. És míg egyesek technikai jellemzők alapján értékelték a képet, mások a szabókhoz szaladtak, hogy hamarosan pontosan olyan ruhát szerezzenek, mint a vásznon ábrázolt hősnők.

1. Reneszánsz

A reneszánsz a kulturális és művészeti újjászületés időszaka volt, amikor a klasszicizmus forradalmi visszatérést hozott az európai társadalmakhoz. Ebben az időszakban azonban jelentős változások történtek a divatban is. Nézze meg, hogyan befolyásolták a festmények híres ruhái a divatot a reneszánsz idején.

Jan van Eyck "Arnolfini házaspár portréja" a portréfestészet szövetvizsgálatának egyik fő eleme. A nő smaragdzöld gyapjúruhája és hermelin bélelt ujja családi státuszt mutat, mivel csak a gazdagok engedhették meg maguknak ezt a fajta szövetet. A gyapjú, selyem, bársony és szőrme előállítása ritka és drágább volt, mint a pamuté vagy a vászoné, és a státusz és a gazdagság szimbóluma volt. A festmény körüli egyik legvitatottabb kérdés, hogy az ábrázolt nő (feltehetően Arnolfini felesége) terhes -e. A reneszánsz szoknyák olyan bujaak és nehézek voltak, hogy a nők felemelték őket, hogy megkönnyítsék a mozgást.

A ruha hozzáadott ívelt redői azt a tendenciát is mutatják, hogy kifejezett hasú nőket ábrázolnak, mivel a házasság alatt gyermekvállalásra utalt. Egy másik példa erre a Limburg testvérek Les Très Riches Heures du Duc de Berry. Mindkét képen nőket ábrázolnak kerekebb hassal. A Berry herceg csodálatos órák könyve esküvőt ábrázol, és összehasonlítható Arnolfini portréjával, mivel mindkét nő az anyaság képét vetíti előre a terhesség előtt. Anélkül, hogy modern szemszögből néznénk a festményt, felfoghatjuk, hogy a nők mit viseltek, és mi volt fontos az emberek számára, hogy megmutassák másoknak.

2. A barokk és a rokokó korszak

A barokk és a rokokó korszakot a kitűnő dekoráció, a dekadencia és a játékosság jellemzi. Ezek a tendenciák nemcsak a művészetben, hanem a divatban is megnyilvánultak a bonyolult dísztárgyak és a fényűző ruhák révén. Vessen egy pillantást néhány híres művészeti ihletésű ruhára.

Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) és Little Mary egy ismeretlen művész figyelmét a részletekre és az öltözködésre teszi az új -angliai puritánok fontos rekordjává. Erzsébet ebben a tekintetben finom amerikai szöveteket és kiegészítőket visel az 1600 -as évekből. Fehér csipkegallérja jelzi a népszerű európai csipkét az arisztokrata nők körében. Ruhája alól aranyhímzett bársony alsószoknya látható, szalagok díszítik az ujjakat. Ezenkívül egy nőnek vannak ékszerei: gyöngy nyaklánc, arany gyűrű és gránát karkötő, ami viszont státuszról és jólétről beszél. Ez a festmény egyedülálló perspektívát kínál Erzsébet és családja puritán életére.

Érdemes megjegyezni azt a tényt is, hogy a művésznek mesterien sikerült összekevernie a gazdagság képeit szerény környezetben. A festmény egyértelműen bemutatja Elizabeth gazdagságát, kiemelve a legszebb ruháit és ékszereit. Férje, John Frick gazdagságát is tükrözi, aki megengedhette magának, hogy teljesítse felesége minden szeszélyét azzal, hogy különféle ruhákat és ékszereket vásárol neki. Ezenkívül a kép szimbolizálja puritán hozzáállásukat az Isten iránti hálához, mert áldása nélkül nem kaphattak volna ilyen luxust.

Jean-Honore Fragonard Swingje a rokokó stílus példája a francia arisztokrata körökben. A festményt magántulajdonban kapták, amikor egy francia udvaronc kérte a művészt, hogy fesse le saját és szeretője portréját. Annak ellenére, hogy a festményt zárt ajtók mögött tartották, feltárja a francia királyi udvar luxusát, komolytalanságát és titkos jellegét.

A pasztellrózsaszín ruha kiemelkedik a buja kert között, és a figyelem középpontjában áll. Jean laza ecsetvonásokkal festette a ruhát, amelyek utánozzák ruhája széles szoknyáját és fodros mellszobrát. Laza ecsete illeszkedik ennek az idilli kerti jelenetnek a cselekményéhez, tele kacér és szeszélyes képekkel.

Festménye bemutatja a francia udvarban a divat felé mutató irányzatokat is. A rokokó felülmúlta a divatot, a művészetet és az építészetet, hogy valami egyedit franciát alkosson. A rokokó divat a legszebb textíliákat tartalmazta, beleértve a pasztellszínű selyemeket, bársonyokat, csipke- és virágmintákat, valamint túl sok íjat, drágakövet, sallangot és díszítő díszítést, hogy olyan megjelenést hozzon létre, amelyre az udvaroncok és a vendégek feltekerednek. legyen a fejük. A stílus meghatározta a különbséget a szegények és a gazdagok között, mivel az arisztokrácia megengedhette magának a gyönyörű szövetek és dísztárgyak luxusát. Azok a nők, akik ezeket a rokokó ihlette ruhákat viselik, a festmény a forradalom előtti francia királyi udvar megtestesítője.

3. Híres ruhák a XIX. Századi festményeken

A 19. században művészi váltás történt a neoklasszicizmustól a korai modernizmus felé, átadva helyét a stílusoknak és a gondolatiskoláknak. Ebben a században a divat is megváltozott. Olvassa el, hogy a festmények hogyan befolyásolták a híres ruhák és stílusok megjelenését, amelyek észrevehetően modernebbek voltak, mint korábban.

A Művészet a művészetért című dokumentumhoz James Abbott McNeill Whistler társult a Szimfónia fehérben című témával, amely a festmény szellemi értelmét kívánta adni. A kritikusok azonban mindezt nem látták, hiszen a festmény a művész úrnőjét ábrázolta, világos fehér ruhába öltözve. Ennek eredményeként ez a portré botrányossá vált. Az 1800 -as években a női ruházat gyakran tartalmazott acélból készült krinolin alsószoknyát. A nők fűzőt is viseltek számos más fehérnemű között, hogy szélesebb szoknyákat lehessen készíteni.

A „fehér ruhás nő” teljesen ellentéte annak, ami akkoriban divatos és nagy horderejű volt. A képen látható főszereplő ruhája egyfajta fehérnemű volt, amelyet akár a férj, akár a szerető láthatott, mivel úgy vélték, hogy az ilyen ruhákat nagyon könnyű levenni. Whistler számára múzsája egy olyan jelenet része volt, amely kellemes volt a szemnek. Hiffernant ábrázolta, ahogy látta, és az akkori nézők számára a kép egyszerre volt zavaros és kissé illetlen. 1900 megjelenésével azonban egy ilyen ruha a mindennapi viselet normává vált.

James Tissot számos festményt készített az 1800 -as évek végén a női divatról. Ő megelőzte az európai divatot, és jól ismert arról, hogy témáit a legújabb divatirányzatokat szem előtt tartva festette. A női divat az 1800 -as évek végén kezdett megváltozni a fiatal hölgyek körében Párizsban és Londonban. Viktoriánus elődeik széles és nehéz szoknyáját keskenyebbek váltották fel, hátul puffadt redőkkel.

A "Miss Lloyd" című festményen a hősnő olyan ruhába öltözött, amilyet akkoriban a társadalomban viseltek, hangsúlyozva a keskeny derék- és homokóraalakot. "Kathleen Newton portréja" (akkori társa) teljes ellentéte Miss Lloyd képének. A művész egy ruhás nőt úgy ábrázolt, mintha bágyadtságot és csábítást sugározna. Mindkét nő azonban saját különleges varázsa és rejtélye veszi körül őket. Maga a ruha szimbolizálja az akkori populáris kultúra különbségeit. Az egyik kép hagyományos és hagyományos, míg a másik őszintén meghitt és botrányos az 1800 -as évek nézői számára.

John Singer Sargent megalkotta a nő képét, amely bár korához képest elfogadhatatlan, az egyik legismertebb és legbecsületesebb festménye lett. Ez Madame Virginie Gautreau portréja, egy amerikai szépség, amely keveredik a francia magas társadalommal. Ez akkora botrányt okozott, hogy Johnnak magának kellett elhagynia Párizst Londonba.

Fűzője rendkívül az alsó has felé mutat. Az éles, mély v-nyakú és gyöngyös vállpántok alig fedik le a vállát, és leleplezik a nő intim részeinek tekintett, nyilvános bemutatásra alkalmatlan részeket. Miután Sargent 1884 -ben bemutatta a festményt a párizsi szalonban, felháborodást váltott ki a kritikusok és a nézők részéről, mert nem illik egy felső osztálybeli férjes asszony ilyen provokatív formában lenni. A Szalon közönsége számára úgy tűnt, hogy a kép hősnője fehérneműt visel, nem ruhát. És Gautreau hírneve az emberek szemében nullára kezdett csúszni, mert sokan obszcén személynek tartották. Végül Sargent eltávolította a nevét a portréból, és átnevezte "Madame X" -re.

4. Híres ruhák a huszadik század festményein

A XX. Század művészete az absztrakcióra és a kifejezésre összpontosított, jelentős változásokon ment keresztül, új stílusokkal és témákkal. Ez a divat és a művészet új formáinak és szintéziseinek feltárásához is vezetett. Itt láthatók a híres ruhák, amelyek a huszadik század festményein szerepeltek.

Adele Bloch-Bauer arany ruhája kiemelkedik korának magas társadalmi öltözékéből. Ahelyett, hogy egy felsőbb osztályú nőt ábrázolna a kertben pihenve vagy a kanapén olvasva, Klimt átalakítja Adélt egy túlvilági figurává. Ruhája örvénylő alak, tele háromszögekkel, szemekkel, téglalapokkal és ikonográfiával. Nincs nyoma egyenes fűző fűzőnek vagy ruharétegnek. A Modern a természet témáit és mitikus képeket tartalmaz. Ez vonatkozik a bohém divatra is, amelyet maga Gustav viselt és használt más festményeken.

Gyakran festett rajzokat, amelyeket Emily Flege divattervező készített. Nem olyan ismert a divatvilágban, mint kortársai vagy elődei, de jól tette, hogy divatot teremtett korának nőknek. Időnként ez együttműködés volt, mivel Gustav számos más festményén használta híres ruháit.

Tamara Lempicka a nőiességet és a függetlenséget feltáró portrékat készített az 1920 -as években. Az Art Deco művész hírességekről készített portréiról vált ismertté, akik feltárták a kubizmus stilizált és csiszolt formáját, amely a védjegyévé vált. Ira Perrault (Lempicki közeli barátja és valószínű szeretője) a La Musicienne zenéjének szó szerinti megnyilvánulásának tekinthető. A képet kiemeli az, hogy egy kék ruhát ábrázol. Tamara kemény árnyékvetési technikája és gazdag színpalettája mozgást kölcsönöz a ruhának, így úgy tűnik, hogy lebeg a levegőben. A ruha rövid szegélye és az áramló redők még mindig az 1920 -as évek divatjára emlékeztetnek, ami fordulópont volt a női divatban. A nők ruhákat viseltek, amelyek kitették a lábukat és a karjukat, valamint redős szoknyát, amely megkönnyítette a táncot.

Tamarát a reneszánsz mesterek inspirálták és tanulmányozták, és hasonló témákat használt modern megközelítéssel. Hagyományosan a kék látható Szűz Mária ruháin középkori vagy reneszánsz festményeken. Az ultramarin kék ritka volt, és jelentős festményekhez használták.

Frida Kahlo munkásságába színes és kézzel készített mexikói szöveteket szőttek. Örökségének részeként felkarolta ezeket a ruhákat, és számos önarcképen és fényképen viselte. A Két Fridában bemutatott híres ruhák szimbolizálják a kötődését európai és mexikói örökségének mindkét oldalához.

Frida a bal oldalon egy felső középosztálybeli családban tanult. Édesapja eredetileg Németországból származott, és gyermekkorában a családi élet nyugati szokásokat tartalmazott. A ruha fehér csipkéje az európai divatban népszerű stílust szimbolizálja. Ez a nyugatiasított változat ellentétben áll a jobboldali Frida azon vágyával, hogy hagyományos ruhában ölelje fel mexikói örökségét. Ezeket a ruhákat a férje, Diego Rivera biztatta, különösen az országváltásukért folytatott küzdelemben. A ruha megmutatta büszkeségét, hogy helyi és hagyományos, Mexikóból származó ruhákat visel.

Kahlo ruházata fontos eleme életének és munkájának. Miután gyermekkorában gyermekbénulást kapott, és egyik lába rövidebb lett, mint a másik, a színes szoknyák módot jelentettek arra, hogy elrejtse a lábát úgy, hogy megvédje őt az ellenőrzésektől. A művész ruhatárában tehuana ruhák, huipil blúzok, rebozo, virágos fejdíszek és antik ékszerek voltak. Ezek a Kahlo ruhadarabok a szerelmének, fájdalmának és szenvedésének illusztrációi, amelyeket munkájába belefoglalt.

Ról ről, hogyan változott a kimonó az évszázadok során és milyen szerepet játszott a művészetben és a modern divatban, olvassa el a következő cikket.